Und, es ist kaum zu glauben, bald betreten wir das vierte Jahr des Theatertreffen-Blogs, zusammen mit den Medienpartnern Berliner Zeitung und exberliner, finanziell unterstützt von der renommierten Rudolf Augstein Stiftung. Es soll wieder jungen Online-Talenten eine andere Diskussion über zeitgenössisches deutschsprachiges Theater ermöglichen. Ein Blog, das bereits vier Jahre existiert, kann man getrost als Klassiker bezeichnen, oder?

Für 2012 suchen wir fünf Kulturkritiker, Photographen, Illustratoren, Grafiker und Audiojournalisten bis 35 Jahre, die als Festivalredaktionsteam das Theatertreffen im Mai 2012 im Netz begleiten möchten. Die Teilnehmer sollten Theaterbegeisterung mitbringen, ein eigenes Blog haben, das sich mit Theater, kulturellen Themen oder aktuellen Debatten beschäftigt, auch anhand verschiedenster Medien. Das Ziel ist er, die Kulturberichterstattung im Netz weiterzuentwickeln und Theaterdiskussionen im Internet zu stärken.

Bei Interesse brauchen wir: einen tabellarischen Lebenslauf mit Geburtsdatum und Adresse, den Link zu dem eigenen Blog, ein bis zwei Arbeitsproben und einen Motivationstext von etwa einer Seite, der das eigene Interesse am Theatertreffen-Blog und an aktuellen Debatten darstellt. Deadline: 1. Februar 2012. Adresse: theatertreffen-blog (at) berlinerfestspiele (dot)de.

Mehr Informationen finden sich auf der Webseite der Berliner Festspiele.

Die endgültigen Teilnehmerinnen und Teilnehmer werden Mitte Februar 2012 bekanntgegeben. Sie erhalten die Reisekosten nach Berlin erstattet sowie die Unterkunft (bei Nicht-Berlinern), Festivaltickets und eine Vergütung.

And, believe it or not, we are entering the fourth year of Theatertreffen-Blog, with our partners Berliner Zeitung, exberliner and with financial support by the renowned Rudolf Augstein Stiftung, making possible a different discussion about contemporary theatre with the ideas and works of online talents. A blog that runs for four years can be regarded as a classic, can it not?

For 2012, we are again looking for young arts’ critics, photographers, graphic artists and audio journalists up to 35 years, that would like to participate in a festival editorial team, accompanying the festival in May 2011. Par­ticipants must be theatre enthusiasts with very good spoken German and their own blog (in German or English) on theatre, cultural issues and contemporary debates, prefer­ably in multimedia form. Our aim is to promote young online cultural journalism and to give theatrical issues a stronger presence on the web.

If interested, please send your CV including your date of birth and address, the link to your blog, one or two samples of your work and a short motivation letter why you’d like to be part of Theatertreffen-Blog 2012 to theatertreffen-blog (at) berlinerfestspiele (dot)de. Deadline: 1st February 2012. You will find more detailed information on the website of Berliner Festspiele.

Final participants will be announced in mid Februrary 2012. They will be paid their trip to Berlin, hosted in Berlin – if not Berlin residents – and given free festival tickets as well as a little remuneration.

tt und 11. Und jetzt? Bei tt denkt man an Audi, bei 11 an 9/11. Nicht gut. Zu belastet. Lieber bei uns selber suchen. Also: Unser Blogger-Jahrgang war diejenige, der das Live-Bloggen aus dem Theater salon- oder zumindest theatertreffenfähig gemacht hat. Aber nicht ohne harsche Gegenkritik. „Das ist doch wie ein Liveticker beim Fußball!“, hörte man von allen Seiten. Und schon ist eine Bedeutung da. 11, das ist eine Mannschaft, in der jeder anders spielt, doch mit Position. #tt11, das bedeutet Echtzeit und Gegenwärtigkeit, auch im Theater.

Und überhaupt: Warum nicht Fußball? Etwas von der überschäumenden Begeisterung und gesellschaftlichen Relevanz, die Fußball hat, könnte auch das Theater gebrauchen. Emotion und Energie! Interkulturelle Verbrüder- und schwesterung statt blutleerer Verkopfung! Soziale Durchlässigkeit statt Elite! #tt11! Und warum nicht den Gedanken durchspielen, dass auch Theater wieder zu einer Naturgewalt werden könnte, wie es der Fußball ist – ein Element, das bewegt, berührt, Kräfte entfesselt? Theater, das elfte Element.

11 könnte aber auch für die mysteriöse 11. Inszenierung des Theatertreffens stehen, für das am heißesten diskutierte Stück, das jedes Jahr über die Klippe springt. 11 wäre dann das, worüber noch der Streit entbrennt, aber auch das, was fehlt: Sinnbild für die Lücke und Leerstelle des Festivals. Das Abseits. Und schon sind wir wieder beim Fußball.

11 sind nicht nur genug für eine Mannschaft, 11 sind genug für eine Freundschaft. Wir sind die 11 Theaterfreunde, die jeder braucht. Wir sind die, die geschlossen eine Reihe füllen können und doch alle unterschiedlicher Meinung sind, wenn wir nach dem Applaus raus gehen. Wir lassen uns auch gerne mieten – zum Beispiel von Theatern, um einen erst halb ausverkauften Zuschauerraum zu füllen. Wir sind immer einer mehr und einer zu viel, einer mehr als die Kritiker-Jury, eine mehr als die zum Theatertreffen eingeladenen Inszenierungen. Wir gehen nicht auf. Wir sind ein unpassendes, ungrades Plus. Wir sind immer woanders, aber wir sind da. Jeder auf seiner Position. #tt11! Und weil wir immer einer mehr sind, hoffen wir, dass auch ihr immer mehr werdet. Ein in alle Richtungen wucherndes #tt11, bis zum #tt1+n. Lasst von euch hören. Lasst von euch lesen. Lasst es uns wissen. Folgt uns und euch. Wir tun es auch.

Fazit im Bildformat. Jakob Kraze Foto: Yehuda Swed

Die Zeit während des Theatertreffens habe ich als eine sehr stürmische erlebt: viele neue Gesichter und Ideen, die einen mitreißen und manchmal auch umreißen können. Aber gerade das ist auch das Spannende – seinen Standpunkt zu verlassen und durch die Augen eines anderen zu blicken. Ich lernte neue Perspektiven kennen und gewann neue Erfahrungen. Das wiederum stärkt die Empathie und hilft, die anderen besser zu verstehen. Wir sind alle sehr unterschiedliche Persönlichkeiten und haben unsere Eigenheiten in die Redaktion eingebracht. Die Symbiose dieser Persönlichkeiten in einem Produkt, dem Blog, fand ich sehr spannend. (Anna Deibele)

Ich erinnere mich an ein Festival, an dem viele starke tolle Frauen beteiligt waren. Intendantinnen, Kritikerinnen, Blogkoordinatorinnen, Stückemarktleiterinnen – die Liste lässt sich fortsetzen. Das Theater bleibt ein Ort, an dem ich mich wohl fühle, mich freue, meine Leidenschaft teilen zu können. Das tt 2011 war für mich auch ein Festival mit einem jugendlichen Geist, mit vielen jungen Autoren, Schauspielern und Regisseuren sowie einem Herbert Fritsch, der energetisch gesehen kaum älter als 30 Jahre alt zu sein schien. Und She She Pop-Vätern, die sich nicht von der Herangehensweise ihrer Töchter abschrecken ließen und so ein selten emotionales Theatererlebnis zugelassen haben. (Grete Götze)

kultur kann von allen seiten wahrgenommen werden und sendet auch in alle richtungen aus. der blog ist ein möglicher weg, sich auszutauschen. Illustration: Johanna von Stülpnagel, mehr unter http://www.redenswinger.de/

Was für ein Theater ist das eigentlich, das sich da trifft? Ich denke, es lohnt sich, dieser Frage immer wieder nachzugehen. Denn in vielerlei Hinsicht ist das tt noch immer ein Stadttheatertreffen: Die meisten Produktionen kommen von dort, das Publikum ist großteils weiß und bürgerlich, und im Grunde funktionierte jede Inszenierung über einen Guckkastendiskurs. Selbst jene Produktionen, die aus der sogenannten „freien Szene“ eingeladen wurden, waren vergleichsweise brav. Auch wenn der selbst gestellte Anspruch des tt breiter zu sein schien, auch wenn man sich (u.a. mit den „Talenten“, zu denen auch wir Blogger_innen gehörten) einen jüngeren, internationaleren Touch geben wollte, war die Tatsache unübersehbar, dass das Festival hauptsächlich dank der Subventions- und Produktionsstrukturen des Stadttheaters bzw. dank der Berichterstattung durch das etablierte Kulturfeuilleton funktioniert. Der an uns Blogger_innen getragene Imperativ, „Seid doch kritisch!“ ist da nur Ausdruck einer hegemonialen Unsicherheit, die der fundamentalen Schizophrenie eines braven Elitefestivals, das beschließt, auch „cool“ sein zu wollen, entwächst. Mit Ausnahme von Andres Müry bei der Jury-Podiumsdiskussion traute sich aber niemand, das ernsthaft zu thematisieren. Vielleicht schaffen wir es ja mit dem tt11-Hashtag (#tt11), diese Frage noch ein wenig am Leben zu halten. (Leopold Lippert)

Vermisst: „Heimkehr des Odysseus“, Regie: David Marton, Schaubühne Berlin. Verpasst: zwei super Konzerte:  Sufjan Stevens und Animal Collective. Was ich gerne mal auf die Bühne machen würden: Ehrlich gesagt, das Gleiche wie Fritsch, viel Spass haben und machen. Fazit: Das Theatertreffen war einfach eine schöne Zeit mit vielen schönen Menschen, auf der Bühne, hinter den Kulissen und auf dem Dach. Ich habe noch nie so viel so schnell geschrieben, und über so aufregendes Sachen. (Matt Cornish)

Sitting in darkened theatres night after night you enter into discrete story bubbles, briefly living through others, their words washing over you and leaving you rather helpless in the best of cases. Critics cannot help but also suffer a constant, simultaneous narrative of their own, as they try to find words to capture their experience as audience members. The best plays I saw at tt11 made me drop that narrative, and just revel in the on-stage happenings. My favorite such moments strangely occurred when shows were stopped for musical sequences that were anything but interludes: She She Pop’s Testament had the much-lauded parent/child deejaying sessions, borrowing the intergenerational, deathless appeal of Dolly Parton’s original I Will Always Love You to embody the complicated love between parents and children. Die Beteiligten had the more controversial but nevertheless no less sublime mix of an Nazi-uniformed actor lipsyncing to Westernhagen’s Freiheit while strapped in a harness and flying over the stage as a recontextualized scene from The Sound of Music played out on the set and back wall. While the meaning of this latter scene remained obscure to me, I must confess, it still powerfully evoked the issue of complicity so central to the play. (Florian Duijsens)

Was war: Fast drei Wochen geschütztes Inseldasein auf der Theatertreffen-Scholle. Ein Luxusleben, das nicht von Dauer sein kann und darf. Die Erkenntnis, dass es sich noch immer über alte Themen wie Geschlecht und Kulturkampf zu streiten lohnt. Input und Inspiration, aber auch Sehnsucht nach mehr (geistigem) Schmutz und Lebensnähe. Was ich gerne noch getan hätte: Herbert Fritsch im Vorübergehen ein Bein gestellt. In Noras Spitzenschuhen und Sterntalerkleid auf der nächtlichen Bühne Schwanensee getanzt. In der Hollywoodschaukel im Garten in den Sonnenaufgang geschaukelt. Was ich gerne noch erlebt hätte: Wie Cory den „Yes-Dance“ tanzt. Und wie Matt das Pferd Halito entführt und wie ein Marlboro-Cowboy in Richtung seiner Heimat Colorado reitet. Was bleibt: Ein Vertrauen darauf, dass Theater vieles kann, und ein Wissen darum, dass vieles von diesem vielen noch lange nicht eingelöst ist. Der dringende Wunsch, an die Arbeit zu gehen, um daran zu werken. Viele keimende Gedanken, die es jetzt zu verpflanzen gilt. Das Gefühl, dass Theater viel mehr ist als das Theatertreffen. Der Wunsch, alles anders zu machen. Der Wunsch, viele Menschen aus diesen zwei Wochen wiederzusehen. Nicht unbedingt Herbert Fritsch. Aber Christoph Schlingensief. (Fadrina Arpagaus)

On the second-to-last evening of the 2011 Theatertreffen, I sat with an American who runs a theater company in New York City at a little Lebanese restaurant near Kottbusser Tor. A first-time visitor to both Berlin and the Theatertreffen, she said to me, “I don’t think there’s anything like this festival in the States. I mean, there’s BAM [http://www.bam.org/default.aspx], which invites a lot of productions to New York, but as far as the critical discussions going on here at the same time, I don’t think we have that.” She hit the nail on the head; what really feels remarkable to me about the Theatertreffen is that nobody is there just to sit and watch some good plays and say, “Those were some good plays,” and go home to bed. The Stückemarkt playwrights, the members of the International Forum, Iris Laufenberg, the Theatertreffen jury, theatermakers not specifically involved in the festival, theater critics, the audience itself – none of them are interested in putting up their feet and saying, “Now didn’t we do a good job? Isn’t theater in Germany just awesome?” Instead, they’re interested in responding critically to the festival that they’ve helped to create, whether in an artistic, curatorial, or ticket-buying capacity. And this desire on everyone’s part to go beyond the point of just making something, to say, “We’ve made something; now what?” – that is what made the Theatertreffen remarkable to me. What I expected going in: a showcase of the year’s best German-language theater. What I experienced: a platform where the current state of theater was examined in depth. As the festival bloggers we were constantly encouraged to be “more critical.” At the end of the festival, I finally understand why: this is a festival that welcomes and encourages this examination, that views theater as something that is never finished. Our blog is unfinished too, hovering in a haze of debates abandoned and questions unanswered among the bloggers as our all-too-short time together came to an abrupt end. I hope in the spirit of the Theatertreffen itself we’ll continue the discussion, on Twitter (#tt11) and on our own blogs, as well as any time we run across one another in the world. (Cory Tamler)

was ich beim tt vermisst habe: bei den veranstaltungen des stückemarkts hatte ich manchmal das gefühl, dass ich gerade etwas vermisse, aber was das genau war… was ich wegen des tt verpasst habe: wahrscheinlich eine menge, auf jeden fall einmal den polizeiruf aus rostock, aber den kann man sich ja hinterher im internet angucken, und das habe ich dann auch gemacht.
 was ich gerne mal auf der Bühne machen würde (Herbert-Fritsch-Style): im erdboden versinken, das habe ich übrigens auch schon erfolgreich ausprobiert, die bühne ist nämlich nichts für mich. (Sophie Diesselhorst)

Das Werk / Im Büro / Ein Laptop: sie fände es unglaublich, wie schnell sich so unterschiedliche persönlichkeiten als redaktionsteam fänden, es sei sehr schade, dass dann, wenn der gemeinsame bordunton stärker zu hören sei, wenn sich debatten herauskristallisierten, alle stimmen wieder von ferne einzeln erklängen. sie wäre gerne zum cat stevens-yusuf islam-konzert gegangen, aber dann wäre ja jo schneider mit seiner ukulele am letzten tag vorbeigekommen und hätte kölsche lieder für iris laufenberg gesungen. andere würden sagen, das sei doch alles theater und theater sei eine lüge und lügen sei schön, alle kunst lügt, aber blogger lügen nie. I realized what a ridiculous lie my whole life has been. Dann gehen m’r schlafen, ud damit gutt. Ja, nö, ja, ja, nö….. (Kanakengesten zum Publikum). Die schönen Tage von Theatertreffen-Lagerfeuer-Garten-Aranjuez sind nun zu Ende. Auf in ein neues Leben! (Nikola Richter)

18 Tage Theater pur! Jeden Tag andere Gesichter, spannende Stücke, neue Themen. Diese vielseitige und aufregende Zeit habe ich zusammen mit sieben Bloggern aus aller Welt genießen dürfen. Sieben unterschiedliche Temperamente, die alle mit anderen Erwartungen und Haltungen in Berlin ankommen, um dort sich und das Theater aus einer anderen Perspektive kennenzulernen. Ich selbst habe in dieser Zeit ganz viele neue Perspektiven gesehen, aufregende Gespräche geführt, gearbeitet, gefeiert, diskutiert und viel Spaß gehabt. Und daher hoffe ich sehr, dass eine Gruppe, mit der man das alles auf so inspirierende Weise tun kann, über Eure Blogs in Kontakt bleibt, sich weiter gegenseitig austauscht, beflügelt und zur Reibung herausfordert. Es war eine tolle Zeit, DANKE an Euch alle! (Katrin Schmitz)

Denn Schlagworte gibts genug. Von A wie Aino Laberenz bis V wie Video. Und nach einem Blick in die Tagespresse, die ich schändlicherweise in den vergangenen Wochen vernachlässigt habe, springen mir die Worte ins Gesicht, die die echte Tagpolitik gerade bestimmen: Strauss-Kahn, Osama bin Laden, Fukushima, Krieg in Libyen, Cannes. Wie konnte mich die tt Wolke bloß so verschlingen?

Mamounata Guira (Performer, Via Intolleranza II). Foto: Yehuda Swed

22:13 The talkback is scheduled to start in two minutes – a little later than planned. The show ran until shortly before 10pm, and it’s our last night to enjoy the garden bonfire, after all…

22:17 Slowly but surely, the audience brings its pretzels and beer upstairs. Maybe they were all busy downstairs at the donations booth, responding to the call for donations to the opera village during the curtain call.

22:19 By the way, I hate to spread stereotypes – but I’m really not kidding about the pretzels and beer.

22:20 Here we go! Curious to see how this plays out, because I know a couple of people on the podium don’t speak German.

22:22 Got it. Wilfried Zoungrana‘s on it.

22:26 A question on the actors from Burkina Faso about the casting in Ougadougu: Why did you want to participate? How did you end up participating? There were 300 people participating – why did you want to take part? Isabelle Tassembedo: “I’ve never acted before, I came because I heard they needed a woman of my age. And as soon as I got there, I realized there was no language barrier. Even though we didn’t speak the same language, I understood him.” (Also, a correction from Tassembedo: “actually, there were 400 participants.”)

22:30 Schlingensief has a convert to the theater through Tassembedo: “I had a lot of fun. I think I’ll keep going.”

22:31 Tassembedo and Issoufou Kienou are speaking French. Zoungrana’s translating into German. And I’m sharing it in English. This is like Telephone: Extreme Version.

22:33 For those of you who have not seen this show, DAMN does Kienou have a pair of lungs! Which he just demonstrated to us. Thank goodness he didn’t use the mic.

22:35 Agreement on the stage: working with Schlingensief was a wonderful experience.

22:37 Jury member Franz Wille on the selection of Via Intolleranza II to the Theatertreffen: “Herbert Fritsch was invited twice to the Theatertreffen. And Fritsch says, ‘Theater is a lie.’ Schlingensief always looked for the lies within himself.” Wille reminded us of yesterday’s farewell jury discussion and the opinion of some jury members that this isn’t a play that belongs to the Theatertreffen.

22:42 Wille reminds us that this is a “relatively normal theater evening – for Schlingensief.” This is the first Schlingensief I’ve seen live, but from some of the videos I’ve seen and stories I’ve heard, that seems to be an understatement.

22:44 Stefan Kolosko: “I’ve lost my thread [i.e. train of thought].” Wille: “Oh, I’ve found one!”

22:45 Kolosko, who plays Schlingensief in Via Intolleranza since the director/theatermaker’s recent death from cancer: “I think about him every day. In order to understand how he could write these texts, what his thoughts were … All of this is just to say: I didn’t come to this as a classical actor.”

22:48 Kolosko: “This is a comedy we’re playing. We’re celebrating Christoph on his way out.”

22:50 The title of the play comes from an opera, Intolleranza 1960. But composer/conductor Arno Waschk says it was more of a springboard than a formula, when it comes to both music and plot. (I don’t know the opera; Wikipedia says it’s “a flaming protest against intolerance and oppression and the violation of human dignity.”)

22:55 Tassembedo says, “If we had followed the original text, it would have been really hard for me. With this text – we live in it, we’re right in the middle of it, we have a lot of fun. With the original text, it’s too abstract for us.”

22:57 Kienou’s plea for a producer during the show is apparently a real one. But he hasn’t met one yet.

22:59 The floor is now open for audience questions. Silence. Everybody too sad that TT-11 is almost over to think about asking questions?

23:00 We’re getting an update on the opera village itself. Roofs, school opening in October, everything’s going well.

23:02 An audience member finds a contradiction in the piece – it criticizes the European guilty feeling, the fruitless attempt to help, which she found very interesting; but then, at the end, we as an audience are asked for donations, to continue to participate in this help-culture.

23:04 Costume designer and widow of Schlingensief Aino Laberenz: “We also did this when Christoph was still alive.” The contradiction is something they own, it’s a piece of the play; “Christoph wrote it himself – to help, to just give out, without expecting anything in return.”

23:07 Kolosko: “Under pressure, nothing happens. Pressure doesn’t bring anything.”

23:10 An audience member is asking us (and himself) if he’s too PC. Are you too PC? Am I too PC? Isn’t this all very PC, to sit and ask ourselves if we’re too PC?

23:12 To the above PC-question is added: this audience member’s friend, who’s black, left the show early. (If we were all more PC, maybe he’d have stayed…)

23:13 Editor’s note: If you didn’t see the play, some non-PC notes: Lines like “You’re darker, so you need more light. Light is expensive, more light is more expensive, you’re twice as dark as me, so you’re twice as expensive.” Clear irony – as they just pointed out onstage. If PC means I have to find that unacceptable, I’m definitely not PC.

23:17 As we wind the discussion and the Theatertreffen to an end, Tobi Müller leads us in saying goodbye to Iris Laufenberg, who led the Theatertreffen for nine years. With a heartfelt round of applause, her term and the Theatertreffen come to an end.

Sigrid Löffler und Christine Dössel. Verschwommenes Foto: Grete Götze oder Nikola Richter, fotografisches Talent ausbaufähig

Nikola Richter: Sigrid Löffler, Sie haben lange das Feuilleton geprägt, beim österreichischen Magazin „profil“, bei der Wochenzeitung „Die Zeit“ etwa. Wir möchten mit Ihnen über Ihre Berufserfahrungen sprechen, um etwas für unseren Berufsweg mitzunehmen. Wie sind Sie Kritikerin geworden?
Sigrid Löffler: Kritiker kann man nicht werden, nur sein. Ich habe mich vom politischen Journalisten zum Kulturjournalisten entwickelt. In Österreich war es relativ leicht, als Kritiker einen neuen Ton und einen neuen Stil zu etablieren, denn die Kritik war verkommen: ein kriterienloses selbstzufriedenes Geschmacksgerede, Daumen rauf, Daumen runter, ohne Kenntnis der und ohne Interesse für die neuen Entwicklungen der Kunstwelt im Ausland, namentlich in Deutschland.

NR: Wie sah Ihre Form der Kritik aus?
SL: Ich habe adornitisch argumentiert, analysiert und Vergleiche angestellt, und mein Geschmacksurteil war sekundär.

Grete Götze: In einer Kritik muss also nicht stehen: „Diese Inszenierung ist gelungen“?
SL: Es muss vor allem nicht drinstehen: „Das ist die gelungenste Inszenierung des vergangenen Jahrzehnts.“ Solchen Blödsinn habe ich nie geschrieben. Aus der Rezension sollte das kritische Urteil implizit hervorgehen. Als ich jünger war, hat es mir Spaß gemacht, scharfe und witzige Verrisse zu schreiben. Heute nicht mehr.

GG: Warum?
SL: Mit guten Verrissen kann man sich als junger Kritiker leicht und rasch einen Namen machen. Es gibt aber wenige Dinge, die zu verreißen sich wirklich lohnt. Zeug, das nichts taugt, taugt auch nicht dazu, sich damit auseinanderzusetzen. Außer, es ist wirklich auf eine so ärgerliche Weise misslungen, dass es schon wieder exemplarisch ist.

GG: Wie kam es dazu, dass Sie von der politischen Journalistin zur Kulturjournalistin wurden?
SL: Man müsste eher fragen: Wie kam es dazu, dass ich in der Politik angefangen habe? Ich war durch mein Studium gepolt auf die Künste, aber mein erster Chefredakteur wollte mich in der Politik sehen. Ich bereue diesen Seitensprung nicht, bin froh, auch als Kulturjournalist politisch zu denken. Es ist ein nicht ganz unschlauer Weg für einen Journalisten, als Allrounder anzufangen und sich dann zu spezialisieren.

NR: Haben Sie sofort als Redakteurin angefangen?
SL: Ja, das waren die märchenhaften Zeiten des 20. Jahrhunderts: Man wurde sofort angestellt. Ich habe gleichzeitig immer schon versucht, mir in Deutschland einen Namen zu machen. Irgendwann bemerkt man die Disproportion zwischen dem eigenen Ehrgeiz und dem kleinen Land Österreich. Dann muss man aus Wien weggehen.

GG: Kritisieren Männer und Frauen auf unterschiedliche Art und Weise?
SL: Es gibt sachorientierte Kritiker, und es gibt eitle, narzisstische Kritiker, die in erster Linie darüber schreiben, ob sie heute Kopf- oder Bauchweh haben und dann in der dritten Spalte darauf kommen, dass sie auch ein Theaterstück gesehen haben. Das ist aber nicht nach Geschlechterrollen aufzuteilen.

NR: Aber man redet öfter von Kritikerpäpsten als von Kritikerpäpstinnen, warum?
SL: Der Kritikerpapst ist ein Dinosaurier des 20. Jahrhunderts, der ist ausgestorben, weil die Zeitungen an Bedeutung und Einfluss verloren haben. Das Theater ist marginalisiert, steht nicht mehr im Mittelpunkt des ästhetischen Interesses. Das bewirkt, dass es keine großen Kritikerinstanzen mehr gibt, nach denen sich das Publikum richtet.

GG: Wo liegt heute das ästhetische Interesse?
SL: Der Konsument ist heute die kritische Instanz. Er hat sich emanzipiert via Internet. Die Kritik hat sich demokratisiert. Jeder ist Kritiker. Kompetenz, Bildung, Urteilsfähigkeit sind dafür nicht mehr nötig, gar nichts ist erforderlich außer einem Bauchgefühl. Wenn jeder öffentlich kritisieren kann, hat der Kritiker sein Monopol als Instanz eingebüßt.

GG: Soll ich also eher nicht versuchen, Kritikerin zu werden?
SL: Ich würde abraten.

GG: Und was mache ich, wenn ich mich für dieses Themenfeld interessiere?
SL: Na, Sie können das ja im Auge behalten, sollten sich aber in einer anderen journalistischen Sparte profilieren, die mehr Zukunft verspricht, wenn Sie unbedingt schreibender Journalist werden wollen.

NR: Was hätte denn mehr journalistische Zukunft?
SL: Sie wissen doch, welches die angesehensten Sparten sind: Politik, Wirtschaft, Reportage, Portrait. Das Feuilleton garantiert kein lebenslanges Auskommen mehr, und auch keine wirklich befriedigende Arbeit. Sie sehen ja, dass der Platz immer knapper wird.

GG: Wie wäre es dann mit dem Lokalteil?
SL: Dort fängt man an, dort hört man nicht auf. Wenn man dort aufhört, ist man gescheitert.

GG: In der Kulturkritik sind die Frauen im Vergleich zur Politik oder zur Wirtschaft gut vertreten.
SL: Das schaut nur auf den ersten Blick gut aus. Dass sich so viele Frauen in diesem Bereich tummeln, hängt aber vielleicht auch damit zusammen, dass die Männer erkannt haben, dass es im Feuilleton wenig Prestige zu erringen gibt.

NR: Trotzdem gibt es bei den großen Zeitungen nur Feuilletonchefs. Das ist ja eine Machtposition…
SL: Eben deshalb sind diese Positionen von Männern besetzt. Als Machtposition hab ich das nie gesehen, als ich Feuilletonchefin war, das war wahrscheinlich mein Fehler. Ich habe auf Teamarbeit gesetzt. Wenn man klug ist, vertraut man der Kompetenz der Leute. Dazu gehört, dass ihr Urteil gilt, auch wenn es meiner Meinung widerspricht.

GG: Aber warum gibt es so wenige Frauen auf diesen Posten?
SL: Die Männer überlassen den Frauen nur die Positionen, für die es sich nicht lohnt, hart zu kämpfen. Frauen setzen sich in den Männer-Sphären nur durch, wenn sie sehr kämpfen und besser sind als Männer. Das macht sie nicht beliebt. Man kann nicht zugleich erfolgreich und beliebt sein wollen.

NR: Haben Sie das auch erlebt?
SL: Nicht nur einmal. Meine ganze Laufbahn ist gezeichnet davon, dass jüngere Männer, die mir vorgesetzt waren, Angst davor hatten, nicht ganz so gut zu sein. Ich habe mich bemüht, sie das nicht fühlen zu lassen, sie haben es trotzdem gespürt.

GG: Wie hat sich das ausgewirkt?
SL: Indem sie mich rausgeschmissen haben, na klar. Nichts ist schlimmer als ein unsicherer, nicht sehr kompetenter jüngerer Chef.

NR: Was raten Sie Frauen in einer ähnlichen Lage?
SL: Wenn man einen solchen hochkompetitiven Talentberuf ergreift – im Journalismus geht es nur um Talent, aber das ist nicht messbar –, muss man gewillt sein, härter zu arbeiten als die Männer, auf Beliebtheit darf nicht darauf aus sein. Es ist wichtiger, dass man respektiert wird und sich Achtung erwirbt. Man braucht gute Nerven, wird eher scheitern als erfolgreich sein. Man muss sich fragen, ob man bereit ist, so viel aufzugeben.

NR: Was aufgeben?
SL: Ich habe sicher wegen meines Berufes keine Kinder, zum Glück aber einen sehr toleranten Mann, der duldet, dass ich sieben Tage in der Woche arbeite und viel dienstlich verreise. Ich habe viele Kolleginnen gesehen, deren Karriere vorbei war, als sie Kinder bekamen. In eine Spitzenkarriere muss man mehr hineinstecken an Dynamik und Lebenssubstanz, als sich mit einem gedeihlichen Familienleben mit Kindern verbinden ließe.

GG: Wie lässt sich das ändern?
SL: Frauen müssten solidarisch sein.

Christine Dössel kommt.

NR: Frau Dössel, wir überlegen gerade, was sich ändern müsste, damit Frauen es als Kritikerinnen leichter haben. Sind Frauen unsolidarisch?
Christine Dössel: Ja. Ich fördere deswegen bewusst junge Frauen.

SL: Die Männer können gut netzwerken, ziehen sich ihre Jungs heran. Dieses Karrieremuster ist bei Frauen nicht ausgeprägt.

GG: Warum nicht?
CD: Es gab und gibt zu wenig Vorbilder. Die, die es geschafft haben, waren Einzelkämpferinnen. Das haben sie noch in sich. Der Stolz, es in einer Männerwelt geschafft zu haben, ist ihnen in Fleisch und Blut übergegangen, auch diese ewige Kampfhaltung. Dieses Stutenbissige, was Frauen aus älteren Generationen einander oder uns nachfolgenden gegenüber haben, ist enorm. Das muss sich ändern.

NR: Sie saßen beide in der tt-Jury. Wie waren dort die Männernetzwerke?
CD: Ich schaue Theater nicht geschlechtspezifisch, sitze in solchen Jurys nicht als Frau, sondern weil es mein Beruf ist. Trotzdem fand ich die Männer-Jury früher gespenstisch. Jetzt sitzen immer mehr Frauen da, was ich wichtig finde.

SL: Diese Jurys sind ja hochaufgeladene psychosoziale Aggregate. Als ich in der tt-Jury war, war es egal, ob ein Mann oder eine Frau debattiert hat.

GG: Debattieren Männer und Frauen anders?
CD: Ich habe in Konferenzen immer ausreden lassen und mich zurückgehalten, das darf man nicht. Man muss reinschnellen, laut sprechen, seinen Bereich mit Nachdruck als wichtig darstellen.

NR: Frau Löffler sagte gerade, die Theaterkritik sterbe aus. Sehen Sie das ähnlich?
CD: Wir kämpfen auf relativ verlorenem Posten. Im SZ-Feuilleton geht noch viel mehr als bei kleineren Zeitungen. Aber auch bei uns fällt bei Platzmangel als erstes die Theaterkritik raus. Süddeutsche.de stellt Theaterkritiken so gut wie nie online – zu unsexy, das bringt angeblich keine Klickzahlen.

SL: Ich habe vor elf Jahren aufgehört, Theaterkritiken zu schreiben. Weil ich keine Lust hatte, über die Epigonen der Epigonen von Castorf zu schreiben. Das Theater wurde immer lauter, schriller und kreischender, je marginaler und uninteressanter es wurde.

CD: Gehen Sie noch ins Theater?
SL: Selten und ungern. Es gibt Regisseure und Schauspieler, die mich interessieren, Andrea Breth etwa. Die Literatur ist vielfältiger, greift wichtigere Themen auf, ist näher am Puls der Zeit als das Theater, trotz aller Aufgeregtheit und allem hysterischen Klamauk, nur um aktuell zu erscheinen.

CD: Ich liebe das Theater seltsamerweise immer noch. Allein diese Tatsache, dass man sich öffentlich trifft, mit anderen Menschen in einem Raum sitzt, Künstler leibhaftig vor einem auf der Bühne stehen. Der Zuschauer hat ein gemeinsames Erlebnis mit anderen, und wenn dieses Theatererlebnis gut ist, dann hat es unmittelbar mit unserem Leben zu tun, dann ist es existentiell.

SL: Das ist das einzige Argument, das ich gelten lasse.

GG: Frau Dössel, haben Sie Tipps für junge Kulturjournalisten?
CD: Dranbleiben. Widerstandskraft entwickeln. Leidenschaft, Zähigkeit, Ehrgeiz mitbringen. Rückschläge aushalten. Ich habe mit 22 angefangen, Kritiken über das Münchner Off-Theater zu schreiben. Das eine junge blonde Frau ihre Stücke beurteilt, wollten sich viele ältere Regisseure nicht bieten lassen. Aber weil ich anfangs unterschätzt wurde, sind mir auch gute Interviews mit eigentlich bärbeißigen Leuten gelungen. (Sigrid Löffler muss gehen.)

GG: Frau Löffler hat gesagt, Frauen müssen für dieselben Positionen mehr arbeiten. Sehen sie das auch so?
CD: Ja, wenn man in der überregionalen Liga mitspielt. Ich habe kein Kind, bin unverheiratet, das ist im wesentlichen meinem Beruf geschuldet. Sogar sich für ein Date zu verabreden, ist oft schon schwierig, weil ich so viel unterwegs bin. Meine männlichen Kollegen sind dagegen alle verheiratet oder haben Kinder.

NR: Und wie sind Sie zum Kritisieren gekommen?
CD: Ich wollte Journalistin werden, nicht Kritikerin. Ich wollte Reportagen und große, schöne Zeit-Dossiers schreiben. Aber dann war ich schon beim Volontariat am längsten und am liebsten in der Kultur. Auf der Deutschen Journalistenschule hat mir Claudius Seidl gesagt, die SZ suche einen Kritiker für die Off-Szene. Er fand meine Texte gut und empfahl mich. Das habe ich erst nicht geglaubt, weil er immer so ironisch war. Ich musste zweimal aufgefordert werden, mich zu bewerben.

NR: Ist es besser, sich nicht so sehr auf ein Ziel zu versteifen?
CD: Ich hatte ein klares Ziel. Mein Beruf ist das wichtigste für mich, ich habe da immer sehr viel Zeit und Ehrgeiz investiert, Zweifel und Qualen inklusive. Dafür zahle ich privat einen hohen Preis. Das Absurde war, dass ich in der ersten Zeitungskrise gekündigt worden bin, weil ich kinderlos und unverheiratet bin. Das habe ich wie einen doppelten Arschtritt empfunden. Ich bin kinderlos und unverheiratet, weil ich auf diese Stelle hingearbeitet habe, und dann verliere ich sie aus genau diesem Grund – schreiend ungerecht! Nach außen ist das gar nicht aufgefallen, weil ich ja wieder Pauschalistin war. Ich habe dann eine Klage eingereicht, und wir haben uns geeinigt.

GG: Mutig. Hat Ihre Funktion als Kritikerin sie selbstbewusster gemacht?
CD: Ja. Aber ich musste erst lernen, meine Meinung selbstbewusst zu vertreten und die Kritik daran auszuhalten. Inzwischen bin ich professionell deformiert, kann oft meine Klappe nicht halten, auch wenn es angebracht wäre, und bin eine notorische Beschwerdeführerin.

Sigrid Löffler, geboren in Aussig, begann ihre journalistische Laufbahn 1967 bei der Wiener Tageszeitung „Die Presse“ und war 1972–1993 Redakteurin beim österreichischen Nachrichtenmagazin „profil“, zuletzt stellvertretende Chefredakteurin. Langjährige Wiener Kulturkorrespondentin der „Süddeutschen Zeitung“. 1996–99 Feuilleton-Chefin der Hamburger Wochenzeitung „Die Zeit“. 1987–2000 Teilnehmerin an der ZDF-Sendung „Das Literarische Quartett“. 2000–2008 Chefredakteurin und Herausgeberin der von ihr gegründeten Monatszeitschrift „Literaturen“ in Berlin. Viele Jahre war sie in der Jury für das Theatertreffen. Sie lebt mit ihrem Mann in Berlin.

Christine Dössel, geboren in Pegnitz/Oberfranken, machte ein Volontariat beim Ring Nordbayerischer Tageszeitungen in Bayreuth, ging dann auf die Deutsche Journalistenschule in München und arbeitet seit ihrem 22. Lebensjahr als Kritikerin für die „Süddeutsche Zeitung“, erst frei neben dem Studium, dann als Pauschalistin, ab 2001 als Redakteurin. Seit 2010 ist sie die alleinige Theaterredakteurin. Von 2004 bis 2007 war sie in der Jury des Theatertreffens. Seit 2007 ist sie im Auswahlgremium für die Mülheimer Theatertage. Sie lebt in München.

Es ist kaum zu glauben: Da sitzt Sebastian Bark neben seinem Vater Joachim und singt doch tatsächlich mit, erst zögernd, aber schließlich mit einem zufriedenen Lächeln im Gesicht. Die beiden trällern gemeinsam Peter Kraus, die Schnulze heißt „Wenn Teenager träumen“ und eben hat Sebastian noch fremdschämend die Augen verdreht. Denn eigentlich ist der kitschige Musikgeschmack seines Vaters doch ziemlich peinlich.

Joachim Bark auf den Schultern seines Sohnes Sebastian. Foto: Doro Tuch

Wir befinden uns im vierten Akt von She She Pops „Testament“, die schlaue King Lear-Adaption, die wohl der heimliche Star der diesjährigen Theatertreffen-Inszenierungen war. Lear hat eben seine „gute“ Tochter Cordelia wiedergefunden und schwelgt in trügerischer Melancholie. Wir wissen, dass die Sache nicht gut ausgeht. Wir wissen, dass das Sentiment nur produziert ist, und dass die traurige Wirklichkeit Lear später umso brutaler heimsuchen wird. Wir wissen, dass Peter Kraus’ Schlager nostalgischer Kitsch ist, platte Gefühlsduselei, ein Fetisch, der uns beherrscht und dabei den Zynismus seiner spätkapitalistischen Produktion überspielt. Wir wissen, dass es so etwas wie echte Emotionen, authentische Gefühlsregungen ja gar nicht geben kann in unserer ironischen Zitatewelt. Sebastian Bark weiß das auch, und deswegen zögert er anfangs. Doch irgendwann lässt er sich drauf ein. Irgendwann stimmt er mit ein und strahlt vor Freude.

Sebastian Barks zurückhaltende Reaktion ist symptomatisch für die grundlegende Paradoxie unseres Zuschauer_innenverhaltens in einer durchdekonstruierten Gesellschaft. Wir wissen um die Kontingenz jeglichen Wahrheitsanspruchs Bescheid; wir haben uns Ironie und Zynismus als distanzierende Überlebensstrategien zurechtgelegt; wir suchen ständig nach Brüchen, die die Ernstgemeintheit jeder szenischen Bewegung unterwandern; wir setzen alles in Anführungszeichen; wir wissen, dass She She Pop diese Szene bestimmt schon dutzende Male gespielt hat und dass damit jedes spontane, unverfälschte Gefühl in seiner Wiederholung längst erstickt ist. Und doch ist da dieses ständige Begehren nach affektiver Regung, nach echtem, spontanem Gefühl, nach einer gänzlich unreflektierten körperlichen Reaktion. Wir finden es schön, wenn wir Gänsehaut kriegen und sind ganz verzückt, wenn uns gar eine kleine Träne die Wange hinunterkullert. Denn irgendwie zeigt uns das eine Fluchtlinie auf, eine Möglichkeit, zumindest für kurze Zeit der andauernden Selbstreflexivität, dem ständigen Nachdenken über die Konstruktion von (Theater)Wirklichkeit zu entkommen. Irgendwie zeigt uns das, dass wir noch nicht völlig abgestumpft sind, dass wir noch berührt werden können.

Dass man mit dieser emotionalen Dynamik des Zuschauens wunderbar spielen kann, zeigen neben She She Pop auch andere der diesjährigen Theatertreffen-Inszenierungen. Stefan Bachmann etwa setzt ans Ende von Kathrin Rögglas staubtrockener Konjunktiv-Mediensatire „Die Beteiligten“ eine Erlösungsszene, die vor Kitsch nur so trieft. Auch wenn das so explizit und moralisierend nicht im Text steht, darf Natascha Kampusch in Bachmanns Inszenierung Rache nehmen an den gefräßigen Medienmonstern, die sie ein Stück (und ihr kurzes Leben in Freiheit) lang gequält haben. Nachdem sie das Ensemble im Kill Bill-Schwertkampfstil aufgespießt hat, tritt sie erschöpft ein paar Schritte zurück. Panflötenmusik, mit Streichern untermalt, setzt ein, und während wir Zuschauer noch ganz überrascht sind, nach all den virtuosen Textgirlanden Kathrin Rögglas zum ersten Mal richtig mit dem Schmerz Natascha Kampuschs konfrontiert zu werden, kommt ein überdimensionaler Troll auf die Bühne. Er streicht ihr zärtlich übers Gesicht, umarmt sie, und trägt sie wie ein allmächtiger Beschützer von der Bühne.

Es ist ein Ende, das so gar nicht zum Stück passen will. Schließlich hat Rögglas Text jede erdenkliche Maßnahme getroffen, um uns auf Distanz zu halten. Schließlich wollte Röggla ja genau diese medialen Distanzierungsmechanismen aufzeigen. Aber das Unbehagen darüber stellt sich erst am Ende ein. Denn obwohl wir wissen, dass es genau diese trollige, kitschige Gefühlsproduktion ist, die die Medienmaschine erst zum Schnurren bringt, obwohl man die Schlussszene auch als zweite „Entführung“ durch den Troll lesen kann, fühlt sich das Trollfinale einfach berührend an. Obwohl wir wissen, dass „Beschützen“ eine zweifelhafte Sicherheit mit sich bringt, ist da doch dieser Reflex, der Utopie eines angstfreien Raums für kurze Zeit nachzuhängen und das angenehme Gefühl des Beschütztwerdens auszukosten. Wenngleich man in einem Stück sitzt, das uns nur noch ein weiteres Mal am Fall Natascha Kampusch beteiligt, wünschen wir dem Entführungsopfer doch so sehr, eben kein Opfer zu sein, und endlich mal in Ruhe gelassen zu werden.

Natascha Kampusch spießt die Beteiligten auf. Foto: Anna Stöcher/Burgtheater

Dürfen wir denn das? Ist es nicht gefährlich naiv, die Komplexität des Falls Kampusch auf eine erlösende Zärtlichkeitsgeste reduzieren zu wollen? Ist es nicht auch etwas blauäugig, wie Stefan Pucher die Kapitalismuskritik in „Tod eines Handlungsreisenden“ auf der rührenden Ebene eines TV-Melodramas mit dazugehörigen Sets, Dosenmusik, und überzeichnetem Schauspiel zu verhandeln? Greift es nicht doch etwas zu kurz, wie Christoph Schlingensief mit seinem eigenen krebskranken Körper in den „Via Intolleranza II“-Ring zu steigen, um dem konventions- und klischeebeladenen Zynismus der westeuropäischen Nachdenker_innen ein fröhliches „Ihr kotzt mich an“ entgegenzurufen? Und schließlich: Dürfen wir als gebildete Kulturmenschen bei „Wenn Teenager träumen“ mitsingen?

Klar dürfen wir das! Klar darf Theater auch mal platt sein und ganz übel sentimental zum Mitheulen einladen. Klar sollten wir Theater nicht nur verstehen, sondern auch spüren. Klar kann man am Theater nicht nur rational-argumentativ verhandeln, sondern auch emotional. Natürlich ist das reduktiv und immer ein bisschen heikel. Aber Gänsehaut muss nicht immer gleich automatisch „Ätsch! Reingefallen!“ bedeuten, reingefallen auf die kalkulierte Inszenierung einer bestimmten Gefühlswelt. Gänsehaut kann einen Denkprozess auch erst auslösen, der sonst nie passiert wäre. Gänsehaut, durch einen zärtlichen Troll hervorgerufen, ermöglicht den Zugang zu einem unterkühlten Medien-Stück, eine reflektierende „Beteiligung“, die sonst wohl einfach im Konjunktivdschungel verlorengegangen wäre. Gänsehaut, durch dramatischen Philip Glass-Streichersoundtrack hervorgerufen, ermöglicht es, „Tod eines Handlungsreisenden” nicht nur als arg konstruierte Fallstudie zu Kapitalismus und seinen Folgen zu verstehen, sondern als (Melo)Drama, das die Brutalität unseres Wirtschaftssystems intensiv spürbar macht. Und Gänsehaut ermöglicht es Sebastian Bark schließlich, die Auseinandersetzung mit seinem Vater auf einer Ebene zu führen, zu der er zuvor nie Zugang hatte. Weil das „Ätsch! Reingefallen!“ ja auch immer dieses so notwendige Sich-Einlassen voraussetzt, kein leichtfertiges, sondern abwägendes, zögerndes Sich-Einlassen, das erst ein reflektiertes Spannungsfeld aufzeichnet, um das emotionale Eintauchen danach umso spürbarer zu machen.

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Die Frage schwebte fast bedrohlich im Raum. „Wie politisch sind denn Ihre Texte?“, wagte eine Zuschauerin am ersten Stückemarkt-Autorentisch zu fragen. Stückemarkt-Leiterin Yvonne Büdenhölzer hatte sich zuvor alle Mühe gegeben, die interessanten persönlichen Hintergründe der anwesenden Jungherren-Runde aufzuzählen und so die Autoren in einem politischen Kontext zu verorten: Konradin Kunze war gerade frisch aus Indien zurückgekehrt, wo er staatliche Willkür hautnah zu spüren bekommen hatte; bei Dmitrij Gawrisch, einem in der Schweiz lebenden Ukrainer, schwingt schon im Namen die Ausländerproblematik mit, und Mario Salazar erzählte, wie sein Vater einst in Chile gegen Salvador Allende putschte und als Landesverräter in der DDR landete. Nur: In Salazars Stück „Alles Gold was glänzt“ kennen die Figuren das Wort „Aufstand“ im besten Fall aus dem Fernsehen; Gawrisch dementierte mit „Meine Eltern sind Diplomaten“ gleich alle Vermutungen, die ihn in die Ecke „Ausländer mit Flüchtlingsvergangenheit“ drängten, und Konradin Kunze blieb von allen am deutlichsten undeutlich: „Nein, ich möchte in meinen Stücken keine politische Haltung vertreten.“ Man kann von Autoren natürlich nicht verlangen, dass sie ihre Erfahrungen oder eine durchpolitisierte Kindheit für ihre Stücke verwenden. Aber: Man kann ihnen vorwerfen, dass sie durch ein bestimmtes Setting Themen wie Ost-West-Konflikt, Einwanderungsproblematik, Fremdenhass und Repression zwar aufrufen, dann im Text aber nicht verhandeln. Politische Inhalte machen nämlich noch keinen politischen Text. Politisch zu schreiben würde heißen, neue Lesbarkeiten von Konflikten zu generieren, andere Deutungsmöglichkeiten auszuprobieren und damit festgefahrene Bedeutungsstrukturen aufzubrechen. Stattdessen operieren viele Stücke dieses Stückemarktes mit unverdauten Klischees oder – noch schlimmer – benutzen politische Inhalte als Alibi-Hintergrund, um eine Familienstory weniger blass erscheinen zu lassen. Das Resultat ist eine haltungslose Beliebigkeit.

Als erstes ein Blick auf Kunzes „foreign angst“. Die Hauptfigur ist ein junger Journalist und derart bemüht, aus dem eigenen Stereotyp auszusteigen (Studium abgebrochen – gratuliere! Kein reicher Papa und doch beruflich engagiert – ja, was für eine Leistung!), dass er sich lieber Tourist als Journalist nennt, denn die Berufsbezeichnung ist ihm schon zu konkret. Dieses Touristische ist exakt Kunzes Haltung beim Schreiben: Man will ja nur mal gucken, was da so passiert im Kriegsgebiet, man will ja nichts Böses, Gott bewahre, und sich schon gar nicht in fremde Angelegenheiten einmischen. „foreign angst“ steht wie die Hauptfigur unter der verhängnisvollen Allerweltslegitimation „mal sehen“. Die Personen kommen aus „einem westlichen“ und aus „einem anderen westlichen Land“, das Ganze spielt in „einer kleinen Stadt in einem Kriegsgebiet“, und welche Sprache die Protagonisten sprechen, ist auch egal. So ist ein Irgendwie-irgendwo-Text entstanden, den trotzdem sofort alle im Fernen Osten einordnen. Kunze leistet durch die vage Situierung seines Stücks und die Typisierung seiner Figuren („naiver, aber idealistischer junger Westler”, „verbitterte Entwicklungshelferin“ und „unterdrückte Frau in islamistischer Gesellschaft“) genau den Klischees Vorschub, die er vermeiden will. Auch Gawrischs „Brachland“ ist nicht konkret verortet, die Personen sind „von hier“ und „von dort“ und vielleicht aus „einem dieser Ex-Länder“, vom Balkan oder vom Balkon, das macht keinen Unterschied. Es ist ein klein gedachtes, um die Themen Verpflichtung, Abhängigkeit und Selbstverwirklichung kreisendes Familiendrama, hinter das der Autor eine politische Folie gezogen hat, ohne sich wirklich auf sie zu beziehen – und man tut dem Stück einen großen Gefallen, wenn man es als Parabel auf die Ausländerfeindlichkeit in der Schweiz liest.

Noch bedeutungsentleerter als bei Kunze und Gawrisch die Orte sind bei Mario Salazar die Begriffe. Karl Marx und Karl May und alles, was auf -ismus endet, ist sowieso dasselbe – pardon, Herr Salazar, das Gleiche, wir haben als Zuschauer Ihres Stücks diese Deutsch-Lektion gelernt. Doch wenn Sie schon so ironisch-pedantisch mit Bedeutungen umspringen: Wie wäre es denn, wenn Sie die Begriffe mit neuen Bedeutungen aufladen, statt sie als Banalitäten platt zu walzen? „Alles Gold was glänzt“ ist voll von inflationär verwendetem revolutionärem Vokabular und wild durcheinander gewürfelten politischen Konzepten, aber führt doch nur dahin, im Garten „Marmelade zu kochen und in der Hängematte zu liegen“. Wenn das Salazars Lebenstraum ist, dann sei er ihm gegönnt. Aber er soll ihm statt auf der Bühne bitte auf einer Brandenburger Datsche nachgehen. Da fällt Juri Sternburgs „der penner ist schon wieder woanders“, der Gewinner-Text des diesjährigen Stückemarkts, aus dem Raster. Man kann darüber denken, wie man mag, man kann den speziellen Humor mögen oder nicht, die Personifizierung von Gott als Penner abgenutzt finden oder originell – zumindest gibt sein Stück nicht vor, etwas anderes zu sein als ein Berliner Untergrund-Tarantino für die Bühne.

Mangelnden sprachlichen Gestaltungswillen kann man wiederum Benjamin Lauterbach nicht vorwerfen. Seine Parabel „Der Chinese“ spielt „viele Jahre in der Zukunft”, und das China des Textes bezieht sich nicht auf das reale China, sondern ist eine Chiffre für das heutige Deutschland, das einem zukünftigen, vermeintlich idyllischeren wie eine Fratze vorgehalten wird. Das ist eigenwillig, weil das China, das der Text entwirft, keine Metapher für das Fremde, sondern für das Eigene ist. Das zukünftige Deutschland hingegen, in dem der Text spielt, ist ein dystopisches, einer Art Gesundheitsrepression anheim gefallenes, wo Plastik, Fleisch und Handys geächtet, Sushi und Holz aber hoch im Kurs sind. Und da schleppt doch dieser Chinese, den es zu bewirten gilt, tatsächlich eine Gummipuppe und ein Kleid aus Polypropylen als Gastgeschenk an! Das gibt Stoff für Werte-Diskussionen her. Doch die szenische Lesung hat gezeigt: Auch der „Chinese“ möchte lieber nicht politisch, sondern unterhaltsam gespielt werden. Die Figuren sind so sehr ins Lachhafte geschraubt, dass ein Grundton von Mickey-Mouse-hafter Komik den Text durchzieht und dafür sorgt, dass er statt in Richtung einer bösartigen Groteske in die Harmlosigkeit abdriftet.

Auch Małgorzata Sikorska-Miszczuk schreibt lieber ungewöhnlich: In ihrem „Bürgermeister“ verhandelt sie ein Bruchstück aus der Geschichte Polens und spaltet dafür ihre Figuren auf, lässt sie in verschiedene Zeiten abstürzen oder verzwölffacht sie sogar. Doch obwohl die Sprache mysteriös glänzt, bleiben die inhaltlichen Bezüge so diffus, dass sie sich einer wirklichen Auseinandersetzung versperren. Interessanter Text, aber fürs Theater kaum zu knacken (wer wagts?). Paradoxerweise sind die beiden Stücke, die nicht mit großen Geschützen auffahren, am politischsten, und sie kommen von zwei Autorinnen. Rebecca Christine Schnyder lässt zwei Schwestern ihre Lebensentscheidungen verhandeln, indem sie ihren unmündigen Bruder gegeneinander ausspielen. „Schiffbruch“ handelt von Verantwortung und persönlicher Freiheit und hat so mehr gesellschaftliche Relevanz als Kunzes Nahost-Stück. Nur schade, dass Schnyders Sprache so alltäglich daher kommt. „Essen ist fertig. / Ich hab keinen Hunger. / Ich auch nicht. / Ich hab extra gekocht. / Hast du gesagt.“ Ein zufällig mitgehörter Familienstreit unter Nachbarn klingt nicht anders. So bleibt Anne Leppers Text „Hund wohin gehen wir“, der mit dem Werkauftrag des schaupiel hannover ausgezeichnet wurde, nicht nur der sprachlich anspruchsvollste, sondern auch der einzige, der über das Bestehende hinausweist. Lepper erzählt von verlorenen Kindern, die aus der Welt gefallen sind, bevor sie überhaupt jemals die Chance hatten, in ihr Fuß zu fassen. Dennoch bewahren sich diese Ausrangierten mit ihrer Sprache und ihrer Gedankenwelt Phantasieräume fern von Terror und Kontrolle, die aber in einem Gewaltrausch aufgehen, als irgendwann das Außen einbricht. In ihrer Fähigkeit zur Poetisierung der Welt und in der Schaffung sprachlicher Gegenwelten ist Anne Lepper an diesem Stückemarkt zwar stiller, dabei aber politischer als alle anderen.