Dieses wir besteht im Kern aus sechs Bloggern. Zwei Gast-Blogger haben ebenfalls Ideen und Artikel beigetragen. Wir wurden außerdem unterstützt, betreut, geleitet, konstruktiv kritisiert (oder manchmal auch ein wenig genervt) von zwei Mentoren, einer Redaktionsleiterin und einem organisatorischen guten Geist.

Die Blog-Redaktion 2012 (v.l.n.r.): Nadine Loës, Hamed Eshrat, Dirk Pilz, Miriam Rose Sherwood, Michaela Engelbrecht (hinten), Magdalena Hiller, Karl Wolfgang Flender, Adrian Anton (vorne). Leider nicht auf dem Bild sind Barbara Behrendt und Florian Duijsens sowie die Gast-Blogger Gudrun Pawelke und Kyoko Iwaki.

Wir haben seit Februar für das TT-Blog geschrieben und gearbeitet, aber wie es sich für ein Netzwerk gehört, haben wir uns erst am 2. Mai 2012 zum ersten Mal sozusagen live und analog getroffen. Wir sind aus ganz verschiedenen Leben, Städten, Hintergründen und Gründen zum TT-Blog gekommen. Wir haben daher auch keine homogene Meinung, sondern zeichnen uns durch Heterogenität und disparate Perspektiven aus. Aber: In der gemeinsamen Zeit des TT12 haben uns gemeinschaftsstabilisierende Übergangs- und Initiationsriten verbunden, verändert und wahrscheinlich auch nachhaltig geprägt, so dass unser lockerer Netzwerk-Haufen jetzt kollektiv, aber in ganz lockerer Reihenfolge und ohne Anspruch auf Konsens, sagen kann: DAS WAR DAS TT 12 FÜR MICH!

1. Zwei Wochen, die uneingeschränkt dem Theater gehörten
2. Zeitdruck, Schlaf- und Bewegungsmangel, ungesunde Ernährung, Falten, Pickel – und trotzdem ein tolles Erlebnis!
3. Vor allem: THEATER! auf, hinter, vor und neben der Bühne – alles eine gewaltige Inszenierung mit großartigen und bewegenden, aber auch mit lächerlichen und abstoßenden Momenten
4. Die Möglichkeit, Theater wirklich zu entdecken und zu erleben (Vegard Vinge verändert alles!)
5. Grenzüberschreitung und -erweiterung (mit wie wenig Schlaf komme ich aus und wie lange kann ich entweder vor dem Computer oder im Theater sitzen?)
6. Ein interessanter Austausch mit vielen verschieden Menschen und ihren divergierenden Ansichten über das Theater
7. Eine Ermutigung, am Theater und am Schreiben zu bleiben
8. Ein Anlass, mich mit allen möglichen Theaterthemen zu beschäftigen und meine eigene Meinungen dazu zu formulieren
9. Die Chance, einen Überblick von der heutigen deutschsprachigen Theaterszene zu kriegen
10. Das Eintauchen ins Theater, das ich mir seit langem gewünscht habe
11. An der Abendkasse für Freunde die allerletzte Karte bekommen – und die müssen es dann irgendwie schaffen, in fünf Minuten am Haus der Festspiele zu sein!
12. Ein Dankeschön an all meine „Motive”! Ohne Euch gäbe es meine Bilder nicht!
13. Der Moment, wenn das Buffet freigegeben wird – und es sind noch Getränke und Nachtisch da!
14. Eine Vergewisserung und Bestätigung dessen, was ich im Theater suche – und dass ich das nicht am Premieren-Buffet finde!
15. Eine Currywurst/Bouletten/Pizza/Döner-Diät
16. Die Möglichkeit, sich über Theater auszutauschen, darüber nachzudenken und darüber zu schreiben
17. Überraschend konventionell
18. Das Gesetz kennt keine Ausnahme!
19. Drei Mal Vinges Welterschaffungs- und Zerstörungsperformance – jetzt kann es kein Theater mehr geben!
20. Lustig, traurig, laut, leise, bunt, schwarz-weiß, heiß, kalt, stickig, frisch, sexy, unsexy, anmutig, plump, unästhetisch, ästhetisch…
21. Von einem plötzlichen Regenschauer komplett durchnässt in einer Hollywoodschaukel aufwachen
22. Jana Schulz und Vegard Vinge!
23. Ein Fest – und wie bei jedem guten Fest gab es auch viel Arbeit!
24. Inspiration ohne Entschleunigung! Ich habe viel über den kleinen Kosmos „Theater” gelernt, gehört und geredet – aber gibt es auch noch ein Leben da draußen?

Nächstes Jahr gibt es einen Anlass mehr zum feiern – das TT freut sich auf sein fünfzigjähriges Jubiläum. Um es den Gästen  besonders attraktiv zu machen, bittet man auf der Karte in fünf Fragen, um die persönliche Meinung zum Theatertreffen. Die Antworten werden anonymisiert, gesammelt und ausgewertet. Wir TT-Blogger sind es ja gewohnt unsere Meinung öffentlich in Pixeln im World Wide Web zu verewigen, so auch in diesem Fall, hier unsere Antworten zur TT 12-Umfrage:

I guess it all depends on how you define “bemerkenswert,” the only official criterion for the TT jury. This term is of course subjective, and the jury’s choices consciously or subconsciously form both the international and national definition of what German theatre looks like.

So, I asked all the members of the TT blog team to come up with the most remarkable production they saw this season, giving them only three criteria.

1. The production must be bemerkenswert.

2. It can be any kind of staged performance

3. It doesn’t have to be a German-speaking production.

And so, here are this year’s TT-bloggers most bemerkenswerte productions.

Adrian Anton, TT-Blogger:

Teach Us To Outgrow Our Madness

Choreographed by Erna Ómarsdóttir

At Norwind-Festival at Kampnagel, Hamburg

This was a very hard decision to make as I recall several really good productions, such as Constanza Marcra’s Berlin Elsewhere, Kristian Smeds’ 12Karamasovs, and Vegard Vinge’s John Gabriel Borkman, which in terms of impact it was by far the strongest. However, I chose Ómarsdóttir’s contemporary song-and-dance piece, as it visualized gender issues in a both very intense and eye-catching manner.

Hamed Eshrat, TT-Blogger:

John Gabriel Borkman

Directed by Vegard Vinge and Ida Müller

At Volksbühne im Prater, Berlin

It portrayed the spirit of total “freedom.” The play was convincing not only as a hyper-expressionistic picture, but also as a delicately crafted sketch. For me, it was not just a “play,” but a “Gesamtkunstwerk.”

Karl Wolfgang Flender, TT-Blogger:

John Gabriel Borkman

Directed by Vegard Vinge and Ida Müller

At Volksbühne im Prater, Berlin

First I have to mention that I’m not very fond of this judging and picking the “best” production in any kind of theatre, or art. But if I am forced to choose one, Borkman was by far the best production I have seen in every way. After my first round of Borkman (I attended three times), my entire vision of the future has changed, because I knew I would get a new job that has something to do with kids or animals. After Borkman, the existing concept of “theatre” vanished, and I literally got lost, no longer knowing how to watch “theatre” from now on.

Magdalena Hiller, TT-Blogger:

Ich und Ich

Directed by Michael Gruner

At Theater Hamakom, Vienna

The director takes Jewish German playwright Else Lasker-Schüler’s immensely rich text and delicately tackles themes such as: What is power? What is God? What is Evil? The actors were extremely precise and nuanced as well, and through their excellent acting, they led the audience to a hellish jungle. If you want to read more about my choice, find my review here.

Miriam Rose Sherwood, TT-Blogger:

All The Sex I Ever Had

Direction and concept by Darren O’Donnell

Created by Mammalian Diving Reflex

At Pazz Performing Arts Festival, Oldenburg

Ten perfectly ordinary pensioners from Oldenburg, Bern, and Canada sat behind a plain black press conference table and narrated their lives via sentence-long, awe-inspiringly frank and honest descriptions of all the encounters with sex they ever had. An MC announced the year, and the different stories interwove with each other chronologically, from childhood confusion (“I am 8 years old, and I know that when you kiss a girl they have a baby, and the baby comes out of their bellybutton, but what I don’t know is: What are boys’ bellybuttons for?”) to divorce, abortion, and affairs with prisoners. I can’t remember the last time I laughed so much in a performance, or the last time I was so moved by one – it was clear by the end that there’s no such thing as “perfectly ordinary.”

Nadine Löes, TT-Blogger:

John Gabriel Borkman

Directed by Vegard Vinge and Ida Müller

At Volksbühne im Prater, Berlin

I simply think it is an “outstanding” performance because I haven’t seen anything like this before. It was totally new, extraordinary, and filled me up with all sorts of emotions. I was angry, I was impressed (especially by the stage setting), I laughed a lot, I was confused, and I was afraid the entire play long, as anything could happen, mentally and physically, to us, the audience in the auditorium.

Gudrun Pawelke, Guest blogger:

Faust I + II

Directed by Nicolas Stemann

At the Haus der Berliner Festspiele, Berlin

It starts like a walk in a park. It feels, light, humorous, easy-going, but the emotions somehow start infiltrating us. It is as if Goethe is navigating the audience by himself, and even though Faust is a text Germans know by heart, Sebastian Rudoph’s Faust spoke the lines in an extraordinarily refreshing manner as if he had never heard the text before. Stemann created a fully convincing production, both creatively and in terms of dialogue, retaining its intensity for eight hours.

Florian Dujisens, English-language editor for the TT-Blog team:

Before Your Very Eyes

Concept, design, and direction by Gob Squad

At the Haus der Berliner Festspiele, Berlin

Though one other TT performance also gained its vitality from youth (Pollesch’s hypnotizing teen athletes in Kill Your Darlings functioning both as capitalist foil and exuberant eye candy), only one reflected on youth and aging as eloquently as Gob Squad’s Before Your Very Eyes. Although the performance has been four years in the making, the evening never felt heavy-handed or forced. It staged the drama of growing up from both the kids’ point of view as well as that of the adults in the audience, who – no strangers to aging themselves – were smartly brought to giggles and/or tears. It certainly helped that they played some Sufjan too, I must admit.

And lastly, my own choice:

Kyoko Iwaki, Guest blogger:

For Faces

Concept and choreography by Antonia Baehr

At Dresden Tanz Platform, Dresden

Although I was absolutely overwhelmed by Vincent Macaigne’s puissance in Festival d’Avignon’s Au Moins J’aurais Laissé…, and viscerally shocked by Romeo Castellucci’s On the Concept of the Face, Regarding the Son of God, in my opinion they were not the best productions created by both directors. Baehr’s production cannot be compared to the Castelluci’s in terms of scale, budget and lavish spectacularity, instead presenting a small and beautifully crafted choreography with precision, subtlety, and sophistication. In Baehr’s micro-choreography, the wrinkling of the eyes, trembling nostrils, and even blinking becomes a meticulously regulated choreography. And after 50 minutes of Noh-theatre-like total concentration, the audience members’ physical conditions are altered and they start experiencing time in different dimensions.

And the winner is…

Three votes to Borkman, and one each to Faust and Gob Squad. So in general I guess the bloggers agreed with the TT jury’s decision. But, what about your opinion? What was the most outstanding production you saw this season? What was really bemerkenswert? The Theatertreffen might end today, but the discussion should continue on and on.

Ob diplomatische Verhandlungen stattfinden, lässt sich schwer sagen, zumindest lädt die Sauna zum Entspannen, Verweilen, Diskutieren und Austauschen inmitten des Festivaltrubels ein. Auf einem kleinen Anhänger montiert, steht die Tür offen für alle Gespräche und Möglichkeiten. Hier sitzt man auf engstem Raum zusammen, wie im Theater oder bei einer Performance, die Themen und Situationen sind jedoch frei wählbar – Ein privater und geschützter Bereich, in dem aber alles offen ist. Und: Neben der körperlichen Veränderung ist auch eine mentale Veränderung möglich. Sehen Sie selbst:

Performers

Puppets backstage at "Faust I+II", Photo: Nadine Loës

7/10 productions had actors shouting lines that do not logically require to be shouted

3/10 had actors performing more than one role (multi-roling)

9/10 addressed the audience directly (broken 4^th wall)

4/10 didn’t stick to the script, opting for moments of improvisation

3/10 directly and deliberately referenced the Theatertreffen festival

7/10 had lines performed in two or more languages

5/10 featured some form of nudity, ranging from bare bums to full-frontal.

5/10 included either dance routines or gymnastics

4/10 had real live children

3/10 used either puppets or animal costumes

Set

Apart from chairs, the stage for "Gesäubert/Gier/4.48 Psychose" was bare, Photo: Nadine Loës

6/10 had a bare stage, leaving the original depth and sides of the stage exposed

5/10 made the curtain a feature of the set, often projecting onto it

4/10 built a closed box on stage

7/10 featured live music on stage, whether a drumkit, a classical ensemble, or singing

3/10 attacked their set with paint during the performance

6/10 had actors moving or changing the set, unhidden by a curtain or blackout (actors & set)

Technology

Microphones and Video in "Before Your Very Eyes," Photo: Phile Deprez

7/10 saw actors using hand-held microphones

6/10 used either film material or projections

3/10 set designs featured running water on stage

But who did what?

Overview:

Graphics: Chris Wallace

Techniques:

Graphics: Chris Wallace

Productions:

Graphics: Chris Wallace

And the winner is…

Faust I+II, Nicolas Stemann’s re-interpretation of Goethe’s two-part tragedy, featured over 80% of the techniques listed here (followed closely by Theater Bonn’s Ein Volksfeind). Now, one could call this a coincidence, but perhaps I have accidentally stumbled upon the judging criteria for the 10,000 euro 3sat prize, awarded during the Berlin Theatertreffen “to one or more artists from participating ensembles for pioneering, artistically innovative achievement,” as yesterday jury members Yvonne Büdenhölzer (Theatertreffen Director), Vasco Boenisch (Theatertreffen jury member), and Wolfgang Horn (ZDFkultur/3sat journalist) decided to honour none other than Nicolas Stemann with this award.

It could be argued that any truly “pioneering, artistically innovative achievement” would display none of the rampantly popular trends listed above, instead forging ahead with its own path regardless of the reigning stage fashions. Platonov, then? Amazingly, Alvis Hermanis’ production of Chekhov’s first serious drama was the only production that retained the “fourth wall” between the audience and the stage – looks like your best chance of being truly unconventional at this year’s Theatertreffen was to be conventional.

2009 kämpfte Claus Peymann beim „Preiskampf“ live im Fernsehen um die Durchsetzung und prügelte schließlich gemeinsam mit Bernd Sucher die „Weibsteufel“ durch. Bildlich gesprochen. Die Damen in der Jury wurden jedenfalls niedergewalzt – da helfen noch so viele Gender-Stücke und Frauen als Macbeth und Parzival im Gegenwartstheater auch nichts. Nun ja. Dieses Jahr kämpfte Peymann dann ja bekanntlich gleich gegen das ganze Theatertreffen.

Letztes Jahr wurde die öffentliche Verleihung des 3sat-Preises im Rahmen der Veranstaltung “Kultur als Entwicklungsmotor” durchgeführt, die große Party abgesagt. Ein rauschendes Fest zur posthumen Verleihung an Christoph Schlingensief war nicht angemessen, sagen die einen, andere behaupten, das Geld sei ausgegangen. Viel Spekulation, viele Gerüchte. So ganz genaues weiß man nicht.

Was macht man also nach solch aufregenden Jahren? Genau: Was ganz konventionelles.

21:54 Uhr: Der rote Teppich ist auf der Bühne ausgerollt. Blumen sind aufgestellt. Die Gäste trinken ihre Weingläser vor der Tür auf Ex aus. Bernd Moss moderiert die Veranstaltung locker-flockig und kündigt an, es werde einen Preisträger, eine Preisträgerin, Preisträger oder Preisträgerinnen geben: Bei 3sat scheint es jedenfalls seit Peymann ein Bewusstsein für Geschlechter zu geben. Er fügt ein paar Informationen zum Preis an: Seit 1997 wird er verliehen, Schauspiel, Bühnenbild oder Regie werden für „innovative, zukunftsweisende Arbeiten“ prämiert.

Nach Grußworten von Thomas Oberender, Intendant der Berliner Festspiele, und Daniel Fiedler, dem Koordinator von 3sat, zieht ein Videoclip die Stimmung noch einmal richtig nach unten: Es wird Abschied genommen von in diesem Jahr verstorbenen Künstlern (z.B. Peter Alexander, Vicco von Bülow, Vaclav Havel, Günther Kaufmann, Thomas Langhoff, Christa Wolf). Das Gedenken diesen Künstlern in allen Ehren – aber als Programmpunkt bei einer Preisverleihung? Fügt sich nicht recht ein in die Dramaturgie des Abends. Das denkt auch Moderator Moss: „Danach gibt es keine gute Überleitung, deswegen gleich zur Preisverleihung“.

Stellvertretend für die Jury verkündet Vasco Boehnisch, dass viele Leistungen bei diesem Theatertreffen richtungweisend und innovativ waren, doch einstimmig und mit großer Begeisterung habe man beschlossen – und jetzt ist es endlich so weit – Nicolas Stemann den 3sat-Preis zu verleihen, für seine Arbeit an Faust I+II.

Die Verleihung des 3sat-Preises an Nicolas Stemann. (v.l.n.r.) Nicolas Stemann, Daniel Fiedler, Vasco Boenisch, Yvonne Büdenhölzer, Wolfgang Horn. Foto: Piero Chiussi.

Vasco Boenisch stellt in seiner Laudatio die berechtigte Frage, ob die Jury mit der Verleihung des Preises an Nicolas Stemann nicht zehn Jahre zu spät sei? 2002, 2004, 2007 und 2009 hätte er den Preis schon bekommen sollen. Nicolas Stemann sei sozusagen „ein moderner Klassiker“. Moderner Klassiker und Innovationspreis? Die Jury ist sich der Paradoxie ihrer Entscheidung glücklicherweise durchaus bewusst, umso mehr, da Stemann angekündigt hat, er werde jetzt erstmal kein Theater mehr machen. Also dieses Jahr weniger ein Innovations- als ein Lebenswerk-Preis? Wie bei einer Literaturnobelpreis-Entscheidung: „Jetzt muss Stemann den Preis aber endlich mal kriegen und jetzt hat er auch noch Faust I+II gemacht – endlich!“

Dann darf endlich Nicolas Stemann auf die Bühne und kann den Leuten danken, „die dafür gearbeitet haben, dass ich den Preis bekommen habe!“. Die spielen zum Zeitpunkt der Preisverleihung Faust II im Thalia Theater in Hamburg. Nicolas Stemann erwähnt noch einmal, er wolle jetzt erst mal kein Theater mehr machen, für Musik- und Filmprojekte könne er das Geld natürlich gut gebrauchen. Optimal, dass er gerade einen Theaterpreis für eine richtungweisende Arbeit bekommen hat – in Richtung Theater scheint Stemanns Weg jedoch nicht zu gehen. Wie als Entschuldigung fügt Stemann an, er werde später bestimmt mal wieder aufs Theater zurückkommen.

Der Preis sei Nicolas Stemann für „Faust I+II“ von Herzen gegönnt, aber den „Innovationspreis für eine zukunftsweisende Arbeit“ hätte Nicolas Stemann eben vor zehn Jahren bekommen sollen. Und das Team von „John Gabriel Borkman“ dieses Jahr. Aber langsam mahlen die Mühlen des Theaterbetriebs…

Wir sehen uns im nächsten Theaterjahr – irgendwie, irgendwo!

Karl Wolfgang Flender: Herr Oberender, was waren für Sie bemerkenswerte Momente beim diesjährigen Theatertreffen?

Thomas Oberender: Die Auftaktveranstaltung, als wir einen der protestierenden Studenten der Ernst-Busch-Hochschule auf die Bühne geholt haben [Anmerkung: Die Studierenden der Ernst-Busch kämpften für den zugesagten Neubau der Hochschule]. Das hat mich selber Mut gekostet und der Umstand macht mich sowohl nachdenklich wie froh. Man kann ja nicht viel tun, aber immerhin. Auch ein schöner Moment war gleich am nächsten Tag die Verleihung des Theaterpreises Berlin an Sophie Rois. Wie die Volksbühne in unserem Haus eine für seine Geschichte in den letzten zwanzig Jahren wesentliche Künstlerin ehrte, hat mich sehr berührt. Das im besten Sinne freie und künstlerische Programm mit seiner Bandbreite von Händel bis zu Rock-Poesie passte so gut zu Sophie Rois und es war ein sehr schöner Moment, diese große Schauspielerin mit Blumen überhäufen zu dürfen.

Schöne Momente waren für mich natürlich in verschiedenen Aufführungen zu entdecken, Dinge, die ich von bestimmten Schauspielern nicht erwartet hatte zum Beispiel. Ich habe Katja Bürkle immer für eine großartige Schauspielerin gehalten, aber in „Macbeth“ hat sie mich wirklich sehr überrascht: Ich sah diese sonst immer souveräne Schauspielerin plötzlich leiden und in ihrer Zerstörung, im Tod ihrer Lady Macbeth, sich offenbaren. Und natürlich der Sprung von Herrn Vinge von der Ballustrade in den Kistenberg seiner Borkman-Hölle. „Before Your Very Eyes“ von Gob Squad ist auf eine andere Art kaum erträglich und unendlich kräftigend zugleich, besonders der Schluss, wenn dieses zurückgespulte Lied („Don’t stop me now“) wieder in der Vorwärtsgang springt und das reißt einen mit, weil die Endlichkeit vorher so klar wurde, als Geschenk, als Probe, als Herausforderung und Fakt.

K.F.: Dieses Jahr wurden mit dem Forum Kulturpolitik und dem Künstler-Gipfel neue Formate eingeführt. Wohin soll der Weg gehen, was ist das Konzept dahinter?

T.O. Das Theatertreffen ist ja insofern eine untypische Veranstaltung, als dass sie von uns als Veranstaltern in seinem zentralen Programmpunkt nicht geprägt wird. Wir sind als Berliner Festspiele mit der Auswahl einer Jury konfrontiert, deren Unabhängigkeit wir garantieren und auf deren Entscheidung wir gespannt warten und die wir realisieren.

Aber der inhaltliche Umgang mit dieser Auswahl ist eben unsere Aufgabe. Die neuen Veranstaltungen (open campus, Künstler-Gipfel, Projektlabor im Stückemarkt, Forum Kulturpolitik) sind unsere Versuche inhaltliche Positionen zu entwickeln, die etwas mit dem in diesem Jahr signifikanten Programm zu tun haben. Signifikant für einen Wandel der deutschen Theaterlandschaft, der auch Ausdruck eines kulturpolitischen Wandels und einer ästhetischer Strategien ist. Unsere Infrastruktur verändert sich, die Ästhetik verändert sich und wir wollen eben die Debatte nicht den Kulturinfarkt-Polemikern überlassen, sondern, wie beim Forum Kulturpolitik mit der Böll-Stiftung,  schauen, was wir da selber an Impulsen setzen können.

Der Künstler-Gipfel ist eine in unserer Betriebswelt sehr seltene Gelegenheit, die Einzelkämpfer der Kunst zusammenzubringen und sich in dieser Runde mit Grundfragen ihrer eigenen Arbeit auseinandersetzen können. Sie können dieses Beisammensein, das eigentlich nur durch so ein Festival entstehen kann, und das darin liegende Potential nutzen, um sich gegenseitig zu reflektieren, sich zu radikalisieren und ins Gespräch zu kommen, was wie gesagt ja eigentlich ein Ausnahmefall unter Künstlern ist. Nicht mal an stabilen Repertoiretheatern, die ja ständig eine Art von Kollektiv bilden, findet so ein Diskurs statt.

K.F.: Nun sind die ebengenannten Veranstaltungen so konzipiert, das Menschen miteinander in den Dialog treten. Trotzdem haben sich einige Zuschauer bei Veranstaltungen beschwert, es werde zu wenig mit dem Publikum diskutiert, es finde eine „Schein-Diskussion“ auf dem Podium statt.

T.O. Im Grunde gibt es beim Theatertreffen mehr Diskussionen als irgendwo sonst in der Theaterwelt: Jede Produktion hat ein Publikumsgespräch, es gibt Diskursveranstaltungen von Open Campus bis zum Akademieprogramm des Internationalen Forum oder eben Künstler-Gipfels und des Stückemarkts. Wo immer solche Podien entstehen, entsteht auch ein Platz für ungewöhnliche Redeformen innerhalb der Theaterwelt, für subjektive Positionen. Und entsteht eben auch ein Gefälle zwischen oben und unten, denen und uns, Schweigen und Sprechen. Viele ertragen das nicht, ganz egal, was da gesagt wird. Man kann daher darüber nachdenken, ob es überhaupt gut ist, Podien zu bauen, statt einen runden Kreis zu bilden. Mein Verlangen geht eher in diese Richtung. Wobei auch viele Leute kommen, um zuzuhören. Ehrlich gesagt geht es auch nicht darum, es irgendjemandem recht zu machen, sondern einen Moment von Wahrheit zu finden und sich damit zu riskieren. Da gibt es keine hundertprozentigen Lösungen, es braucht eine Zugewandheit zur Sache und wo ich die spüre, ist es interessanter als bei der üblichen pädagogischen Kleinbuchstabiererei.

K.F.: Sie haben mit dem Haus der Berliner Festspiele einen wunderbaren Ort, um kulturelle Veranstaltungen zu verwirklichen. Warum steht diese Bühne dann die meiste Zeit im Jahr leer?

T.O.: Die politische Vorgabe ist, dass dies ein Festivalhaus ist und wir verhalten uns im eigenen Haus im Grunde wie als Mieter in anderen Theatern der Stadt: Die Technik ist bis auf eine kleine Kerntruppe von Fall zu Fall neu engagiert, das Vorderhaus ist outgesourced, neben uns betreut diese Firma auch die Berlinale und tausend andere Veranstaltungen in der Stadt. Es kann also gar nicht in Aussicht stehen, dass dieses schöne Theater wieder zu einem mit Repertoire- oder en-suite bespielten Haus wird. Aber was uns derzeit sehr intensiv beschäftigt, ist das akute Nachdenken darüber, was „Festspiele“ heute sein können. Es geht letztendlich um die Frage, wohin sie sich in den letzten zehn Jahren entwickelt haben und was unsere Funktion in dieser Stadt ist, welche Strukturen wir dafür ändern müssen, und genau das werden wir im nächsten Schritt tun. Eine andere Atmosphäre in dieses Haus zu bringen, von Kunst, von Relevanz, von Risiko, das ist der Anfang eines Veränderungsprozesses, der die Struktur grundsätzlich betrifft. Ich habe viel von Berlin verstanden, dem Berlin, in das ich vor einigen Monaten erst zurückgekehrt bin, als ich zum ersten Mal auf dem Tempelhofer Feld war. Dort läuft ein soziales und politisches Experiment, etwas in der Welt Unvergleichliches, ein praktisches Labor der Freiheit, die durch simple Regeln entsteht. Und ich glaube, dieser Wind muss bis zu uns herüber wehen.

But how did she choose when there were so many different styles of acting treading the boards? Maybe she stole a look at my fact-file, based on some of the leading men and ladies of this year’s festival.

Style: The Entertainer
Example: Fabian Hinrichs, Kill Your Darlings! Streets of Berladelphia
Director: Rene Pollesch
Role: Only speaking part
Costume: Shiny, skin-tight rainbow leggings/Floor-length skirt/Octopus costume

Physicality: Exudes confidence. Opening a performance by skipping in circles around the stage for an extended period of time, chanting phrases from the production that the audience has yet to hear, is not the easiest task. The audience has no idea what’s going on. But there is such assurance and determination in each step, such a complete absence of hesitation, that you have no choice but to trust that he knows what he’s doing. Always open, facing the audience straight on as if to prove he has nothing to hide, and engaging with us directly. Beams almost constantly; his stage presence is not just tirelessly energetic but also good-natured.

Voice: Plays with emphasis, volume, and pauses, creating a conversation with himself on stage that causes you to forget he’s the only person speaking on stage, and opening up an often confusing duality of meaning in the lines. But his sheer confidence means that the audience can be sure of one thing: we are supposed to be confused.

Effect:  Pollesch presents a sea of ideas and information, but Hinrichs guides the audience through it so they never feel like they’re drowning. When an audience member’s phone rang, he absorbed it into his performance without a trace of a break in mood or character – his spontaneous reaction was so seamless it could have been scripted. The strength of this connection to the audience counter-acts any confusion over the monologue he delivers with the feeling that he is performing completely for us, not for himself or to serve a higher aesthetic purpose.

Style: The Introvert
Example: Jana Schulz, Macbeth
Director: Karin Henkel
Role: Macbeth
Costume: Baggy white shirt, white vest, loose black trousers

Physicality: Masculine without any of the clichés of macho exaggeration. Slightly rounded shoulders which caused the upper body to sag and meant the head was inclined to look down at the floor. Movement was also led by the shoulders, so the usual feminine emphasis of the hips was gone. At first sight, this appears to be the posture of someone who has given up, but a tension in the apparently drooping limbs was revealed when Schulz made contact with another actor, for example in her embrace of Banquo.

Voice: No artificial attempt made to sound “like a man”, Schulz’s voice was perhaps the only sure give-away that the part was being played by a woman. Emotion was not hidden by the tone of the voice either, and conveyed a shaky vulnerability.

Effect: The ease with which Schulz combined both “masculine” and “feminine” traits succeeded in making the distinction unimportant. Her introverted, vulnerable Macbeth takes a hold of the audience, and you find yourself seeking her out on stage, crouched unmoving in a far corner, even if a more important part of the story is being told centre stage. Despite the extreme, violent decisions Macbeth makes in the course of the play, it is difficult to know where actor ends and character begins: when Schulz takes her bow she is just as charismatic and mysterious as her performance.

Style: The Chameleon
Example: Sebastian Rudolph, Faust I+II
Director: Nicolas Stemann
Role: Faust
Costume: Leather jacket, shirt, jeans/Snappy dark blue suit

Physicality: Constantly changing. First casual, so natural that he would turn his back to the audience and shuffle upstage. Before you know it he’s über-theatrical, puffing out his chest and illustrating his speech with sweeping hand gestures. Next he’s a comedian, playing three angels fighting for the chance to speak, pulling faces, and waving his hand in the air like a schoolchild who desperately needs to go the toilet. As the production goes on, he becomes more and more suave, not just thanks to the addition of hair gel but through the upright, controlled posture he assumes.

Voice: Changes with the physicality. The casual Rudolph of the opening is matched with a barely comprehensible mumbling, quickly morphing in the boom of the stereotypical “Actor.” His switching between characters is never confusing, because for each he takes on a distinctive voice and tone.

Effect: An impressive command over many different acting styles. In the case of this production, there are so many other elements at work at the same time, from set and projections, to singing, dancing, and puppets, that you lose track of such a changeable character. It’s far from clear who Faust actually is. Pro: It creates a much broader scope for interpreting the character, and therefore the story. Con: A sprawling production loses what could have been the one constant keeping everything together.

Style: The Alien
Example: Erhart Borkman,* John Gabriel Borkman
Directors: Vegard Vinge, Ida Müller, Trondt Reinholdtsen
Role: Erhart Borkman, son of disgraced bank director John Gabriel Borkman
Costume: Full mask (chubby cheeks and wide eyes), brightly coloured dungarees, and striped t-shirt

*There is very little information provided about the cast of John Gabriel Borkman, so I’ll refer to this actor by the character’s name, Erhart Borkman, and “he” – although there is evidence to suggest the part was in fact played by Ida Müller, the production’s set designer.

Physicality: Robotic movement like that of a video game character being controlled by an outside force. But this is no lifelike CGI game, the character is only programmed with the minimum number of basic moves and gestures. All journeys were made in straight lines, turns only ever in right angles. Erhart’s first entrance saw him repeating the same four steps back and forth across the hallway multiple times, as the “limited programming” didn’t allow for both coat and hat to be removed at the same time. Every process is broken down into distinct, isolated movements, thus taking off a coat becomes: unzip, outstretch arms, move right arm to left sleeve, pull, move left arm to right sleeve, pull, hold jacket in front of body, shake jacket out. Some movements always have an accompanying gesture, for example giving a wave causes the head to tilt to the left. He has a permanent, exaggerated hunch, and his heels never touch the ground when walking, giving the impression of weightlessness as if controlled by strings from above –  a cross-over between a gaming avatar and a marionette. He remained completely frozen when not speaking or carrying out a specific task.

Voice: In fact performed by another – unseen – actor. Severely distorted through a microphone. Loud, laboured wheezing accompanied all movements when not speaking, which matched Erhart’s hunch and contrasted with the young, high-pitched speaking voice. Often grating, for example through the excessive, squealing repetition of one word, and its volume was unpredictable. Only over-the-top, cartoonish emotion was conveyed.

Effect: This style creates a great distance between the character and the audience. The anti-realism is so extreme that you can never forget that you’re watching an actor playing a part – there is no risk of thinking the two are one and the same! Yet on the other hand, the commitment to the style is consistent throughout the 12-hour performance, making it hard to believe that it is really a human being exercising such control, and not a mechanical toy with no choice in the matter. But the humanness is there in the character’s behaviour, whether it’s masturbating diligently in his bedroom, trying to snuggle up to an emotionally cold mother, or playing with a cardboard football (attached to a stick of course, to prevent any unprogrammed movement). This contrast between the mechanical and the human is simultaneously uncanny and hilarious.

Style: The Movie Star
Example: Sandra Hüller, 4.48 Psychose
Director: Johan Simons
Role: Therapist/Patient
Costume: Little black dress, silver-sequinned high heels

Physicality: Extremely composed, upright posture. Spent most of the play seated centre stage amongst the musical ensemble, very still, with her hands in her lap. When she finally did move, it was to carefully and quietly remove her heels. As the therapist she was completely believable because of the simplicity of her movements; nothing was added for the sake of the stage – the performance would have withstood the scrutiny of close-up shot in a naturalistic film. She resisted the touch of the other actor discreetly and firmly. Her role began to cross-over with that of the patient by the introduction of subtle twitches as she listed the side effects of an array of anti-psychotic drugs. At one point she suddenly stood from her seat in one smooth movement as if involuntarily, stretching her hands out palms up towards the audience, a complete change from the complete control displayed until that point – it conjured the feeling of an out-of-body experience.

Voice: Controlled and calm. Her tone conveyed the conflict of the therapist – sympathy and frustration at the same time. It was friendly, but never crossed the line into unprofessional. Adding to the atmosphere of the out-of-body moment, Hüller sang the lines along with the ensemble, a surprising change that catches the audience off-guard.

Effect: A powerfully ambiguous performance – Hüller’s therapist is so controlled that without doing anything external or visible her perfect exterior betrays the possibility of inner anguish. From early on you wonder whether she is in fact the patient, whether the whole scenario might just be playing out in her head.